Francisco Javier Fernandez - 'Blade Runner 2049': Ryan Gosling y Harrison Ford lideran una secuela visualmente impresionante que no se atreve a volar libre

'Blade Runner' se ha convertido con el tiempo en una de las películas de ciencia ficción más aclamadas de todos los tiempos, pero en su momento fue una decepción en taquilla. De ahí que se tardase en valorar la idea de una secuela, al menos una de verdad y no una sucesora espiritual como 'Soldier', estrenada 16 años después de la cinta dirigida por Ridley Scott.

No fue hasta 2011 cuando el proyecto cogió fuerza, estando previsto que el propio Scott la dirigiera. El tiempo pasaba y nada se terminaba de concretar, por lo que el cineasta tuvo que abandonar para poder sacar adelante 'Alien: Covenant'. Finalmente se contrató al ascendente Denis Villeneuve para liderar una titánica superproducción que esta noche se emite en laSexta a partir de las 22:30.

Una ampliación demasiado respetuosa

Era de esperar que 'Blade Runner 2049' dependiera mucho de la mítica primera entrega, pero lo realmente importante estaba ver si acaba siendo poco más que un homenaje multimillonario o una película con voz propia que realmente aportase algo distintivo dentro de este universo. El gran problema de la cinta que nos ocupa es que está más cerca de lo primero que de lo segundo.

Ahí probablemente entre en escena el hecho de que Scott estuvo bastante implicado, llegando a introducir de forma no acreditada multitud de apuntes en el guion de 'Blade Runner 2049' para luego ser él mismo quien criticó que la película era demasiado larga. Curiosamente, yo no creo que ese sea su problema, porque la película te engancha rápidamente y no te suelta hasta que aparecen los títulos de crédito finales.

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"Blade Runner 2049 expande las ideas de la original y va más allá" - Harrison Ford, Ryan Gosling y Ana de Armas

Lo que no me entusiasma tanto es que plantea ideas jugosas -a menudo asociadas al concepto de la búsqueda de la identidad- pero sin llegar nunca a explorarlas en profundidad. Ahí es como si existiera cierta indecisión a la hora de volar libre y no depender tanto de los lazos con 'Blade Runner'. Casi hasta parece que Villeneuve se limita a sí mismo para no equivocarse o molestar a cualquiera de los millones de fans de la primera entrega.

En lo visual sí que no hay que ponerle pega alguna, ya que sí, hay continuismo, pero no sumisión. Aquí se van alternando ideas, jugando a menudo con el contraste con lo que ha sucedido apenas minutos antes, sabiendo usar un impresionante despliegue de efectos visuales con una irreprochable fotografía a cargo de Roger Deakins.

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En lo interpretativo, Ryan Gosling está de lo más convincente y Harrison Ford logra salvar la papeleta de recuperar a un personaje tan celebrado como Rick Deckard sin que se sienta como una decepción, pero también hay aspectos más cuestionables como el personaje encarnado por Jared Leto por su anecdótica presencia.

'Blade Runner 2049' fue un fracaso en taquilla, en buena medida por su abultado presupuesto de 150 millones de dólares -aunque algunas fuentes elevan esa cantidad hasta los 185-, ya que esa cifra hizo que los 259 millones de ingresos mundiales no reportasen beneficio alguno a  Warner. El propio Villeneuve reconoció poco después de su estreno que no entendía por qué no había sido un éxito.

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Francisco Javier Fernandez - 'Pequeños detalles' triunfa en Estados Unidos: El thriller con Denzel Washington lidera la taquilla pese a su estreno simultáneo en HBO Max

El gran golpe de efecto de Warner anunciando que iba a estrenar todas sus películas de 2021 de forma simultánea en cines y HBO Max despertaba ciertas dudas, ¿todavía habría gente que se acercaría a su sala más cercana? El caso de 'Wonder Woman 1984' es demasiado particular, pero ahora 'Pequeños detalles' demuestra que quizá la apuesta del estudio era la mejor en las circunstancias actuales.

Es cierto que 'Pequeños detalles' se ha tenido que conformar con unos ingresos de 4,8 millones de dólares en su primer fin de semana, pero es que esa cifra es suficiente tanto para alcanzar el número 1 como para ser uno de los mejores lanzamientos desde que la pandemia de coronavirus cambió las reglas del juego.

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Las 49 películas más esperadas de 2021

Solamente otros tres títulos han conseguido superar el millón de dólares en el último fin de semana de enero. La segunda posición ha ido a manos de 'Los Croods: Una nueva era' con 1,8 millones, la tercera para 'Wonder Woman 1984' con 1,3 millones de dólares, seguida por 'The Marksman', número 1 de la semana pasada, con la misma cifra.

Ninguna otra novedad ha logrado colarse en el Top 10, pues lo más probable es que muchos hayan preferido quedarse en casa a ver 'Bajocero', película número 1 a nivel mundial de Netflix esta semana, alcanzando esa posición hasta en 55 países, incluido Estados Unidos.

Por el momento no hay datos de la taquilla española, pero 'Los Croods: Una nueva era ocupó el número 1 tanto el viernes como el sábado. El anterior fin de semana ya lideró la recaudación en nuestro país con unos ingresos ligeramente superiores a los 100.000 euros.

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Francisco Javier Fernandez - Luces y sombras de 'El faro': Robert Eggers firma una hermosa extravagancia lastrada por sus excesos

Robert Eggers se hizo un nombre en la escena del cine independiente cuando 'La bruja' (The Witch, 2015), una extraordinaria película de terror ambientada en la América precolonial, logró crear una tendencia en Sundance en la que cada año una cinta de género fuera de los estudios se convertía en un sleeper de público después. ‘El faro’ (The Lighthouse, 2019) es su última obra, que mantiene muchas de las obsesiones del director pero que se decanta hacia la excentricidad.

El director es conocido por su determinación por reflejar la época en la que se ambientan sus obras de forma prácticamente obsesivo-compulsiva mientras trata de romper con convenciones del género, y en esta ocasión ha tratado de recrear el lenguaje marítimo de finales del siglo XIX y el día a día de dos guardianes de un faro en una isla de la costa de Nueva Inglaterra. La localización, vestuario y el estudio detrás es casi documental y un logro en sí mismo.

EL TEXTO TIENE SPOILERS SOBRE LA TRAMA.

Estética tenebrista deslumbrante

Además, el aspecto visual de la película es espléndido. El uso del blanco y la puesta en escena tiene predilección por la belleza de contrastes y dentro alberga alguna colección de planos que pueden ser recreados como pequeñas obras de arte en solitario. Este estilo retro y el uso de filtros ortocromáticos le ha ganado comparaciones con Dreyer y el cine del expresionismo alemán que, si bien tiene cierto sentido en lo estético, ya que en ocasiones—principalmente escenas oníricas— juega a imitarlo, no es muy precisa la analogía.

Eggers desarrolla una narración muy centrada en la dramaturgia e incorpora el realismo de sus investigaciones dentro de una matriz estética tenebrista, que es muy diferente a las intenciones de Dreyer o Murnau, cuyo lenguaje visual imprime una lógica secuencial viva, sin necesidad del texto que en ‘El faro’ acaba haciéndose protagonista de todas las escenas que comparten los dos personajes. Esto se convierte en la gran paradoja de la cinta, la reiteración de las palabras y una sobrecarga de diálogos vacíos.

Otro elemento clave es la inclusión de motivos mitológicos y constante simbolismo influido por el trabajo de artistas como Jean Delville, Sasha Schneider o Arnold Böcklin, cuyas obras son recreadas, en algunos casos, casi literalmente mientras otras influyen en los seres que aparecen. También hay referencias a Poe, no tanto al del relato 'El faro' sino como una relectura de ‘El corazón delator’ en parte de la película, aunque el motivo del escritor acaba sumándose al resto de las evocaciones culteranas en ristra que se suceden en la obra.

El fantástico, preciosista y esquivo

El relato de los dos fareros (Willem Dafoe y Robert Pattinson) en un turno de cuatro semanas en una remota isla se acaba convirtiendo en una obra de autor, que resulta fascinante e irritante en la misma medida. La brillantez formal acaba sirviendo como herramienta de un guion, digámoslo ya, lleno de majaderías sin filtro que luchan contra las estampas ominosas en formato cuadrado y algunos segmentos alucinógenos sublimes —aunque la mayoría de ellos se dejan intuir en los tráilers— se acaban viendo como cápsulas aisladas dentro de otra película.

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Las 17 mejores películas de terror de 2020

Hay una voluntad mística, de incluir elementos de superstición, de fantástico heredero de Hogdson —no tanto Lovecraft, por muchos tentáculos que aparezcan— que colisiona con el aspecto realista, de tal manera, que hay una separación tan clara de lo que es delirio y lo que es real que en ningún momento deja la posibilidad de que la imaginación del farero que sueña con sirenas y krakens —o que los ve por efecto de beber queroseno— deje la puerta abierta a la mano de lo enigmático o sobrenatural que invoca tenga influencia sobre los hechos de la película.

Esta huida del fantástico, es opuesta al planteamiento de la misma estructura en 'La bruja', donde se contaban muchas cosas no necesariamente ligadas al hecho de dar o no miedo abrazando su condición de fábula. Eliminando este factor, parece que se pretende utilizar la imaginería de forma gratuita, más por la necesidad de utilizar un trasfondo de seres mitológicos por el hecho de usarlos que porque tengan un papel real en la película.

Barroquismo sublime pero forzado

Por otra parte, el estilo pictórico del film queda en evidencia cuando nada más empezar se introducen los personajes en una serie de planos estáticos. En uno de ellos, Robert Pattinson y Willem Dafoe miran al horizonte de frente a la cámara, dejando claras las intenciones del film. Hay una pose, una artificialidad que mira directamente al espectador. Más adelante hay una serie de planos de ambos con jerseys que parecen sacados de un catálogo de moda para modernetes, al estilo Wes Anderson, más que una búsqueda de realismo y suciedad, hay algo que no cuaja.

Estos pequeños detalles van dando paso a una progresiva sucesión de momentos que van rasgando la atmósfera claustrofóbica y misteriosa para dar paso a situaciones que parecen buscar una reacción del espectador a toda costa. Por ejemplo, cuando acaba de ver por segunda vez a la sirena, Ephraim camina como en un film de Buster Keaton, como si fuera una parodia del cine mudo que está homenajeando, añadiendo una traza de humor slapstick en una secuencia cuidadosamente construida hasta ese momento.

Pronto los diálogos se ven afectados por una urgencia por impactar con rupturas de tono constantes como el intercambio de “qué, qué, qué” entre ambos actores o la frase de Ephraim sobre su desesperación por comer carne roja “si tuviera un filete… me lo follaría”, como forma pueril de relacionar dos costumbres “de macho”. No mejora mucho el comentado discurso de Thomas de “Hark tritón, Hark”, invocando a seres marinos en ristra, creando una caricatura autoconsciente y autocomplaciente propia del lobo de mar de 'Los Simpson'.

Recital del exceso

Y es que, si bien las actuaciones de Robert Pattinson y Willem Dafoe son esforzadas y voluntariosas, en la intención exagerada del director estas acaban resultando postizas. No hay una sola pista de la intención de esa mirada grotesca de los arquetipos dentro de la que, por otra parte, es una minuciosa descripción del entorno y la época. En ocasiones da la impresión de asistir a una broma de amigos que no funciona fuera de ese microcosmos de exceso desorientado.

Pattinson está simplemente histriónico. Arrugando el morro como un dibujo animado cuando acecha a Dafoe con la cámara recreándose, chupando agua de lluvia histéricamente para materializar que se ha vuelto loco, rematando con un grito desmedido al eyacular en una escena de masturbación abyecta, haciendo el mono cuando beben un brebaje, para recalcar que están asqueados. Es como ver a un niño buscando desesperadamente la atención de sus padres.

Todos estos momentos colisionan con exposición de un relato clásico, atemporal, de hombres volviéndose locos con un trasfondo de leyendas, que decantan en un intento de lectura de la masculinidad tóxica a partir de los estereotipos del mundo del mar. Sin embargo el subtexto acaba resultando tan ramplón que parece ‘El faro’ se haya rodado con la idea de partida apuntada en el encabezado de cada página del guion.

Expresionismo de fase anal

La repetición e insistencia sobre lo mismo acaba derivando en algunos momentos en los que se intercalan apuntes de homoerotismo, tan manidos que cualquier atisbo de profundidad en las intenciones del director resultan romos. Según él mismo, en distintas entrevistas, habla de que “nada bueno puede pasar con dos hombres encerrados en un falo gigante”, con el que sella el simbolismo chabacano con el que realmente funciona la obra. Hasta tal punto que sugiere que las flatulencias son un símbolo de poder.

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Las 13 mejores comedias del cine de 2020

Solo en los primeros cinco minutos, el sonido de un chorro de orina es seguido por un pedo de Dafoe. Se va silbando. Para, vuelve a proyectar una ventosidad mientras silba. Cada vez que están en la habitación hay un pedo. También tenemos un encadenado de meada en un orinal flotante con un vómito. Escatología infantil, de "comedia" de caca, culo, pedo, pis, incluso con una repetición del gag a contraviento de 'El gran Lebowski’ (The Big Lebowski, 1998) con orinales llenos de excremento, seguido por un grito ahogado, propio de Will Ferrell.

Estos exabruptos se contraponen a simbologías arbitrarias que se extienden hacia una relación de poder llena de ladridos con la introducción del mito de Prometeo —que tiene un sentido ajeno al sustrato de culpa del personaje de Pattinson—, dando vueltas alrededor de una luz que es tratada como una mujer, para exacerbar el componente de hombres peleando por una feminidad, que al mismo tiempo significa el poder de uno sobre el otro, dejando abierta, como no, la posibilidad de que haya un relato de desdoblamiento de personalidad.

Un prodigio visual... decepcionante

Un final con la luz absorbiendo a Ephraim, calcado del de 'El beso mortal' (Kiss Me Deadly, 1955), cierra el estudio de Ícaro hacia el sol y la tortura eterna, abriendo posibilidades de debate que no estaban sobre la mesa en momentos previos. Desde luego, se puede argumentar y considerar porque hay vías abiertas, pero el juego que lleva hasta allí no se preocupa tanto de abrir ninguna de ellas. Resulta más bien una conclusión lógica, tras un engañoso rifirrafe en el que Dafoe imita a Jack Torrance para acabar bajo tierra.

No se puede negarle a 'El faro' su milimétrico trabajo de recreación, y su obsesión realista, que choca de lleno con su voluntad de crear un tejido quimérico en el que conjugar la testosterona con el folklore, una sintaxis basada en la aliteración de referentes frente a la reflexión, cierta elegancia formal con la grosería bufa, que olvida por el camino dirigir el interés del espectador en los conflictos que plantea, sin convicción alguna, con más audacia en la provocación hueca que en la narración.

En sus mejores momentos, Eggers logra cohesionar una buena ristra de estampas de libro, pero sustituye el horror subcutáneo de 'La bruja' por un conglomerado de sonidos reiterativos de sirenas o ruidos de máquinas que jarrean constantemente al espectador en una atmósfera de estridencias. 'El faro' es un prodigio visual de hermosa factura que toma ciertos riesgos, pero también resulta suficientemente impostada y burda como para considerar que hay cierta falta de inspiración, compensada por intentos de epatar algo simples y petulantes.

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Estrenos de películas y series en Amazon Prime Video, Disney+, Movistar+ y Filmin del 1 al 7 de febrero - Javier Fernandez

¿Qué nuevos títulos llegan a las distintas plataformas en los próximos siete días?

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Francisco Javier Fernandez - En busca de la mejor banda sonora del cine de 2020

Recordaremos 2020 como un año nefasto cuyas consecuencias todavía seguimos sufriendo. El avance de la pandemia mundial ha llevado a aplazar (o estrenar en plataformas) una enorme cantidad de estrenos, por ello la idea predominante es que 2020 ha sido una cosecha pobre en materia cinematográfica.

Afortunadamente, en cuanto a música de cine, hemos conocido una serie de trabajos de una calidad extraordinaria. Sirva este artículo como ejemplo de cuáles son las mejores bandas sonoras del 2020. Antes de empezar, aclarar que esta lista es completamente subjetiva pero siempre hecha desde el criterio de tener en consideración qué es una buena partitura para un producto audiovisual.

John Powell firma la mejor música de cine en 2020

Dos bandas sonoras sobresalen como lo mejor del año: 'La llamada de lo salvaje' ('The Call of the Wild') de John Powell y 'Wonder Woman 1984' de Hans Zimmer. Respecto a la primera, resulta cuanto menos sorprendente comprobar que la que posiblemente sea la banda sonora más brillante de 2020, pertenezca a un estreno de principio de año, febrero para ser exactos.

Con 'La llamada de lo salvaje', nueva adaptación del clásico relato escrito por Jack London, John Powell firma una partitura llena de colores, encanto y emoción que recuerda a los aficionados cuán importante es la labor del músico en una película, esfuerzo que, año tras año, se menosprecia por creativos que desconocen cómo sacarle buen partido a una banda sonora. Puedes escucharla en Spotify.

Para esta historia de aventuras sobre la fiebre del Oro con el perro Buck de protagonista, Powell desarrolla su estilo de forma apoteósica, consiguiendo musicalizar una epopeya con una partitura que está a la misma altura que su majestuosa trilogía para 'Cómo entrenar a tu dragón' ('How to train your dragon').

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Las 41 mejores bandas sonoras del cine de la década

El uso de los coros realza con belleza los momentos más íntimos de la película mientras que el localismo de Alaska a finales de siglo XIX, están reflejado en el uso de una instrumentación afín a aquel periodo. Pero lo realmente brillante es su épica narrativa, que nos vuelve a demostrar que John Powell es ahora mismo el mejor contador de historias en el cine, musicalmente hablando.

Hans Zimmer triunfa en su vuelta a DC

'Wonder Woman 1984' supone el regreso de Hans Zimmer al género de superhéroes después de haber manifestado públicamente que quería apartarse del mismo (en poco tiempo, le ha puesto acordes a figuras como Batman, Superman y Spider-Man). Cuando su nombre sonó para la secuela de Wonder Woman (recordemos que él compuso el tema del personaje en la infame banda sonora de 'Batman v Superman'), todo parecía indicar a que se trataba de una elección poco inspirada y reiterativa. Nada más lejos de la realidad.

La banda sonora de 'Wonder Woman 1984' es pura diversión y la mejor partitura para una película del universo DC desde 'Liga de la Justicia' ('Justice League') de Danny Elfman. Al regresar a los años 80, Zimmer desarrolla una paleta orquestal con coro incluido que vuelve a poner de manifiesto que cuando quiere (o le dejan), puede ser uno de los mejores compositores de música de cine.

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Siendo justos, hay que decir que la partitura queda algo lastrada dentro de las intenciones de la película pero como escucha aislada supone un ejercicio de una enorme calidad. Tiene el tono de las partituras de antaño pero la música es puramente Zimmer. Una de las piezas más interesantes del año y no me extraña que rápidamente se haya convertido en una de las bandas sonoras favoritas del aficionado. La tienes disponible en Spotify.

Christopher Willis recuerda los clásicos, Alexandre Desplat nos lleva al espacio

Otra banda sonora de principios de año y también basada en una obra clásica de la literatura, acaba coronándose como una de las mejores de 2020: 'David' ('The Personal History of David Copperfield') compuesta por Christopher Willis. En esta nueva colaboración con el director Armando Iannucci tras el imparable éxito de 'La muerte de Stalin’ (partitura que llegó a ocupar un puesto selecto como una de las 15 finalistas al Oscar de 2018), Willis desarrolla un estupendo mosaico musical para narrar la vida del jovial David Copperfield.

Como ya puso de manifiesto en la anterior obra citada, Willis bebe mucho de los clásicos a los que pretende homenajear o emular dentro de sus partituras (en este caso a autores ingleses como Vaughan Williams, Elgar o Britten). Esto acaba resultando en una obra diferente y muy distinta a lo que podemos escuchar actualmente en el cine y solo por esta característica, ya acaba llamando la atención del aficionado.

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La partitura es una carta de amor y alegría a una Inglaterra idealizada y que vuelve a demostrar la versatilidad de Christopher Willis, pues con este trabajo alcanza cotas ya logradas por compositores británicos como George Fenton, Rachel Portman o Dario Marianelli (este último italiano afincado en Reino Unido). Una partitura deliciosa y exquisita que nos recuerda a épocas anteriores de la banda sonora original y el cine. Puedes degustarla en Spotify.

Otro trabajo reseñable es 'Cielo de medianoche' ('The Midnight Sky') de Alexandre Desplat, una rara avis dentro de la filmografía de un compositor más acostumbrado a dramas de categoría antes que a películas de ciencia ficción.

El caso es que George Clooney siempre ha sacado lo mejor del compositor francés, tal y como demuestran sus anteriores colaboraciones juntos ('Los idus de marzo', 'Suburbicon’, ‘Monuments Men' y 'Argo’ como productor) y para esta extraña película que no ha terminado de funcionar, Desplat desarrolla un pastiche que mezcla lo mejor de su clasicismo con formas más modernas gracias a la electrónica. Es una pieza de una enorme calidad que tuvo la circunstancia de ser grabada durante la cuarentena. Puedes escucharla en Spotify.

Reznor & Ross buscan la sorpresa con David Fincher y Pixar

Cabe destacar los dos trabajos que Trent Reznor & Atticus Ross han firmado este año: 'Mank' y 'Soul'. El dúo son, por razones que apenas tienen que ver con la calidad de su trabajo, de los autores más venerados y reconocidos dentro de la banda sonora actual.

Su colaboración con David Fincher les ha otorgado una repercusión enorme, amén de un premio Óscar (por 'La red social') y una enorme cantidad de menciones. Sin embargo, la crítica especializada en música de cine no les tiene en tan buena estima ya que sus trabajos acaban resultando intrascendentes y funcionan como meros "salva pantallas" dentro de las películas que acompañan.

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La guía de ‘Mank’: conoce el mundo de Herman Mankiewicz en el Hollywood dorado que retrata la película de Netflix y David Fincher

Contra todo pronóstico, esa percepción tan crítica ha sido alterada gracias a estos dos trabajos que aunque no llegan a ser notables (no los destacaría como lo mejor del año), sí permiten descubrir otras facetas del dúo más conocido de la banda sonora comercial.

'Mank’ es una película basada en la figura de Herman J. Mankiewicz en el Hollywood de finales de los años 30. Esto permite sacar a Reznor & Ross de su zona electrónica de confort y trasladar su trabajo a un mundo nuevo lleno de posibilidades.

El resultado es sorprendente, con la ayuda de Conrad Pope (compositor y orquestador de éxito, recurrente en muchas partituras de John Williams) y Dan Higgins (saxofonista de éxito), Reznor & Ross han elaborado una banda sonora de tonos clásicos, oscuros y deudores del gran Bernard Herrmann a la vez que una serie de temas de música jazz.

La calidad del trabajo es estimable y suena fresco (más aún sabiendo quienes son los artistas) pero lamentablemente, la narrativa de esta banda sonora se queda corta y no termina de resultar la obra redonda que bien podría haber sido. Las comparaciones son odiosas pero basta escuchar una banda sonora como 'The Artist' del otrora desconocido Ludovic Bource para comprobar por qué esta fue un éxito y 'Mank’ se queda atrás en su labor de apoyar al film. Tienes la banda sonora en Spotify.

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Las seis escenas más tristes de las películas de Pixar: nadie les gana desarmando emocionalmente al espectador

Respecto a 'Soul', hay que mencionar que el nuevo mandamás de Pixar, el director Pete Docter (el mismo que ha derivado la línea editorial de la empresa en hacer películas importantes lacrimógenas y abandonar toda trama de diversión) quería enfocar su producto con dos sonoridades distintas: la música jazz de la vida real y el sonido de la otra vida.

Hay que decir que este esquema no es nada nuevo ni original, compositores como Danny Elfman en 'La novia cadáver' o Michael Giacchino en 'Coco' de la propia compañía, han tenido éxito al elaborar sonidos distintos para identificar los diferentes mundos.

A muchos nos cogió por sorpresa la noticia de Reznor & Ross componiendo la última de Pixar, al igual que la elección del jazzista Jon Batiste para desarrollar la música free jazz que interpreta el protagonista de la película. El resultado final es bastante intrascendente, la labor de Reznor & Ross acaba siendo una variante de sus primeros trabajos para Fincher (en especial los sonidos 8 bits de 'La red social') que parecen más adecuados para un videojuego de Nintendo que para una película de la compañía de animación más importante del mundo.

Lo mejor de todo acaba siendo el sonido de Batiste y su uso del free jazz que da personalidad a la banda sonora. Si quieres escucharla, está disponible en Spotify.

Otras grandes bandas sonoras del año que merecen ser escuchadas

Daniel Pemberton se confirma como uno de los mejores compositores del panorama cinematográfico gracias a 'El juicio de los 7 de Chicago' ('The Trial of the Chicago 7') para la que realiza una banda sonora dinámica, dramática y noble para los tumultos que la película narra.

Pemberton es uno de los compositores que mejor sabe integrar elementos modernos, ya sea percusión, baterías o el uso de guitarras eléctricas dentro de una sinfonía y con esta banda sonora vuelve a conseguirlo y a demostrar que una partitura no tiene por qué seguir los cánones clásicos. Puedes escuchar su trabajo para el film de Aaron Sorkin en Spotify.

Así mismo, cabe destacar el precioso trabajo de Bruno Coulais para ‘WolfWalkers’. El compositor vuelve a colaborar con Tomm Moore y Ross Stewart tras los brillantes resultados de las anteriores películas (‘The Secret Book of Kells y ‘Song of the Sea’) y realiza una obra extraordinaria de mucha belleza, llena de sentimiento y delicadeza.

La historia trata sobre una joven que viaja a Irlanda para erradicar una última manada de lobos. Esto permite a Coulais explayarse con referencias célticas y filosóficas a través de su música. Una banda sonora excepcional. Puedes disfrutarla en Spotify.

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Las 17 mejores películas y series de animación de 2020

Por último, una de las mayores sorpresas de 2020 ha sido el retorno de Elliot Goldenthal, compositor de enorme calidad que ha visto limitado su trabajo debido al accidente doméstico que tuvo en 2005 y a un cine cada vez menos interesado en experimentar. Para 'The Glorias', nueva película de su pareja sentimental Julie Taymor, ha compuesto una banda sonora absolutamente "indie" llena de guitarras eléctricas y con un fondo orquestal mínimo.

Un trabajo brillante que suena a Goldenthal en todos sus acordes y nos devuelve la excelencia de uno de los mejores compositores del planeta. Puedes escucharla en Spotify. Como curiosidad, destacar que el compositor ha grabado un audio comentario de toda su partitura, track a track, y está disponible en Youtube.

2020 nos ha dejado otro puñado de bandas sonoras de excelente calidad: 'Sonic' (compuesta por Tom Holkenborg), 'Dolittle' (de Danny Elfman), 'Palabras para un fin del mundo' (Iván Palomares), 'Da 5 Bloods' (Terence Blanchard), 'Amadrinadas' (Rachel Portman), ‘Silver Skates’ (Guy Farley), 'Las brujas' (Alan Silvestri), 'Emma.' (Isobel Waller-Bridge y David Schweitzer), 'Déjales hablar' (Thomas Newman) o la música para la serie 'Gambito de dama' (Carlos Rafael Rivera), son trabajos que merecen ser escuchados y reivindicados.

Esperados trabajos que llegarán en 2021

Debido a la pandemia mundial, se han quedado varias películas y bandas sonoras pendientes de estreno. Títulos tan atractivos como 'Sin tiempo para morir' o 'Dune', ambas con música de Hans Zimmer, la nueva colaboración de Wes Anderson con Alexandre Desplat, 'The French Dispatch', o el remake de 'West Side Story' de Steven Spielberg, que a pesar de no contar con música original, será el notable compositor David Newman el encargado de adaptar la partitura de Leonard Bernstein.

Como podemos comprobar y a pesar de las dificultades, la banda sonora sigue viva y emocionando. Parece que cada vez es más frecuente tener que encontrar el buen trabajo fuera de los circuitos comerciales o en películas más desconocidas. Es por ello que, para poder apreciar el valor de una partitura, debemos ser partícipes como espectadores. El cine no solo se oye, también se escucha y es gracias a la labor de estos artesanos de la música, los compositores. Qué los próximos años, traigan más proyectos donde podamos escuchar su voz.

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La noticia En busca de la mejor banda sonora del cine de 2020 fue publicada originalmente en Espinof por Juan Carlos Jiménez .

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Estrenos Netflix: Las series que llegan del 1 al 7 de febrero - Javier Fernandez

La segunda temporada de 'Hache', 'El baile de las luciérnagas' y 'Ciudad invisible' son algunas de las novedades que encontrarás en la plataforma.

>> Leer el artículo | sobre Sensacine - domingo, 31 de enero de 2021

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Francisco Javier Fernandez - El fin de la comedia: cuando los cineastas abandonan el género en busca de reconocimiento

Entre 1994 y 2000 los hermanos Peter y Bobby Farrelly dirigieron cuatro de las comedias más divertidas, irreverentes y necesarias de la historia de la humanidad. Entre 'Dos tontos muy tontos' a 'Yo, yo mismo e Irene' pasaron seis años, pero la comedia cambió para siempre. Después, una carrera llena de altibajos y unas películas mucho más estáticas que de costumbre. Para rematar la faena, tres premios Óscar a 'Green Book'. Se acabaron las risas.

Huyendo de la diversión

Tras veinte años al servicio de la risa junto a su amigo y socio Will Ferrell, el cineasta Adam McKay aparcó la comedia para lanzarse al cine "de verdad", que diría Andrés Trasado en Twitter. Lo ha hecho, de momento, con dos películas tan ambiciosas y potentes como empalagosas. 'La gran apuesta' y 'El vicio del poder' eran películas con pretensiones artísticas, comerciales y premiables. Dejar de lado la vena más silvestre de sus ideas para asentarse en obras capaces de epatar con más gente, con más público. Con más premios.

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Las 33 mejores películas cómicas del siglo XXI

'Green Book', que se llevó las estatuillas doradas a mejor película, guión y actor secundario, está situada en el puesto 126 de las películas más valoradas de IMDb, algo realmente llamativo, sobre todo cuando uno mira la película anterior del director y se encuentra con la tardía secuela de 'Dos tontos muy tontos'. La película era un funeral para la comedia, y no lo digo porque fuera un trabajo deplorable.

Supongo que la muerte siempre está ahí. O sea, no es que pasemos el día pensando en el fatídico momento en el que nos toque a nosotros, pero creo que tenemos ese "detallito" marcado en nuestro cerebro, y no va a desactivarse jamás. Creo que una parte de la culpa de disfrutar con ella es la misma que tiene 'Amor en conserva', por ejemplo: no necesitamos que nos lo recuerden. No necesitamos saber que nuestros héroes van a morir. Nosotros vamos a morir y no pasa nada, pero ellos no deberían morir jamás.

Los dos últimos trabajos de los hermanos antes del canto de cisne de Lloyd y Harry fueron 'Carta blanca' y 'Los tres chiflados', dos películas con buenas intenciones y resultados muy dispares. La primera, protagonizada por Owen Wilson y Jason Sudeikis, vivía de momentos sueltos, salpicaduras a lo largo de la película. Con el paso de los años es más recordado su acercamiento a la leyenda de los tres cómicos con su marciano formato meta. Me atrevo a decir que los últimos trabajos finos de los hermanos están en 'Matrimonio compulsivo', divertidísimo vehículo para el lucimiento de Stiller y su aportación a la incomprendida 'Movie 43'. Luego el silencio y luego, el prestigio.

Aún está candente el temita 'Joker'. La película de Todd Phillips, director de 'Starsky & Hutch', la trilogía de 'Resacón en Las Vegas' o 'Aquellas juergas universitarias', fue su respuesta creativa a la imposibilidad de rodar una comedia del estilo que venía manejando hasta entonces: "Intenta ser divertido hoy en día con esta cultura de la conciencia. Todos los tíos jodidamente divertidos están en plan: 'A la mierda, no quiero ofenderos'. Es difícil discutir con 30 millones de personas en Twitter. Simplemente no puedes hacerlo, ¿verdad?".

Es muy complicado moverse entre el prestigio y la diversión. Por mucho que se critique a alguien como Taika Waititi, que puede ser tan genial como irritante, lo que él hace no está al alcance de todo el mundo. Eso sí, nunca podrá recuperar el sentimiento de pureza su prodigiosa 'Eagle Vs Shark', la película con la que mejor supo mostrar sus intenciones.

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Las 31 mejores comedias de la década (2010-2019)

Es tan difícil que solo hay que mirar uno de los movimientos más inesperados y extraños de los últimos años: Jordan Peele. Auténtico genio de la comedia junto a su inseparable Keegan-Michael Key, decidió dar un volantazo a su carrera con la grandiosa 'Déjame salir'. La maniobra fue redonda. Peele hizo el más difícil todavía por partida doble. Consiguió aunar comedia y horror como solo los más grandes pudieron hacer. Sam Raimi, John Landis, Joe Dante. Pocos son capaces de lograrlo. Y encima se llevó un Óscar. Lástima que con 'Nosotros' o sus acercamientos a la producción catódica se intuya una desesperación por huir de la comedia a cualquier precio por muy bien que esté 'Hunters'.

También es cierto que casi mejor probar nuevas inquietudes que desperdiciar el talento. Para eso tenemos a Paul Feig, que tras su brutal (y merecido) éxito con 'La boda de mi mejor amiga' ('Bridesmaids') no ha estado a la altura a pesar de la simpatía que puedan despertar algunos de sus trabajos posteriores.

¿Tenemos un problema con la comedia? No lo creo, solo es cuestión de buscar un poco más y no confiar demasiado en el ruido de bombos y platillos. Judd Apatow ha recuperado su mojo con 'El rey del barrio' tras un descarrilamiento gradual e inevitable fuera de su faceta como productor. Ahí sigue teniendo un ojo infalible, como demuestran sus colaboraciones con The Lonely Island o en la mencionada película al servicio de Pete Davidson.

Es cierto que la comedia está viviendo una serie de limitaciones culturales, pero también lo es que hay que saber encontrar esos vacíos con los que continuar provocando carcajadas. Ahora mismo las necesitamos más que nunca. Alejarse del humor a estas alturas resulta incomprensible, pero siempre nos quedarán rebeldes dispuestos a manipular las distancias y los límites. Aunque tenga que ser en pequeñas apuestas televisivas sin la presión de los estudios. O tal vez solamente tengamos que esperar a que todo reviente y volver a empezar.

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La noticia El fin de la comedia: cuando los cineastas abandonan el género en busca de reconocimiento fue publicada originalmente en Espinof por Kiko Vega .

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Francisco Javier Fernandez - 'Star Trek': en qué orden ver todas las series y películas de la saga de ciencia ficción

En el último par de años hemos visto como la franquicia de ciencia ficción televisiva por excelencia, 'Star Trek', está viviendo un nuevo amanecer después del descarrilamiento del "reboot" iniciado por J.J. Abrams. A día de hoy contamos con tres series en emisión, 'Star Trek: Discovery', 'Picard' y 'Lower Decks' que, con sus más y sus menos, exploran diferentes sectores del espacio y ahondan en la Federación.

Estas tres series son las últimas entregas de una franquicia con casi sesenta años de antigüedad, desde la serie original protagonizada por William Shatner como Kirk y Leonard Nimoy como el mítico Spock. Serie que originó una veintena de películas y series, entre spin-offs, secuelas y precuelas (si las podemos llamar así) que se despliegan a lo largo de tres siglos de aventuras espaciales.

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Los 17 mejores episodios autoconclusivos de todas las series de 'Star Trek' para iniciarse en la mítica saga

Pero, ¿cómo verlas en orden?, ¿hay un orden específico para verlas? Pues, como en casi cualquier universo de ficción, la respuesta es sí. Así que vamos a repasar cómo ver todas las series y películas que componen Star Trek en orden.

Orden cronológico oficial

Este es el orden cronológico, siguiendo el oficial de Star Trek publicado en su web. La acción principal de las series antiguas (la generación original) se sitúan en torno a la segunda mitad del siglo XXIII, mientras que la nueva generación en adelante estaríamos hablando de un siglo después, llegando hasta finales del XXIV. Con excepciones, claro está.

Así que, a continuación, veréis el orden de todas las series y películas. He decidido no dividirlas en temporadas (salvo por necesidad práctica) para no liarlo más de la cuenta. Entre paréntesis está el año en el que transcurre la serie o película.

• 'Star Trek: Enterprise' (2151-2155)
• 'Star Trek: Discovery' T1-T2 (2256)
• 'Star Trek' TOS (2266-2269)
• 'Star Trek: La serie animada' (2269-2270)
• 'Star Trek: La película' (2273)
• 'Star Trek II: La ira de Khan' (2285)
• 'Star Trek III: en busca de Spock' (2285)
• 'Star Trek IV: Misión: Salvar la Tierra' (2286 y 1986)
• 'Star Trek V: La última frontera' (2287)
• 'Star Trek VI: Aquel país desconocido' (2293)
• 'Star Trek: La nueva generación' (2364-2370)
• 'Star Trek: La próxima generación' (2371 y 2293)
• 'Star Trek: Espacio profundo 9' (2369-2375)
• 'Star Trek: Voyager' (2371-2378)
• 'Star Trek: Primer Contacto' (2373)
• 'Star Trek: Insurrección' (2375)
• 'Star Trek: Némesis' (2379)
• 'Star Trek: Lower Decks' (2380)
• 'Star Trek: Picard' (2399)
• 'Star Trek: Discovery' T3 (3188)

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Star Trek: todas las series ordenadas de peor a mejor

Si queréis seguir un orden más exhaustivo deciros que a partir de la tercera temporada de 'Espacio Profundo Nueve', la acción transcurre más o menos paralela a la de 'Voyager' hasta su final. Aunque he puesto tanto 'Primer contacto' como 'Insurrección' después de ambas, lo ideal sería ver la primera película durante las temporadas 5 y 3 de 'ST:DS9' y 'ST:V' y la segunda durante sus respectivas séptima y quinta temporada.

Por cierto, todas las series, a excepción de 'Picard' y 'Lower Decks' (Prime Video) están en Netflix

¿Y lo de Abrams?

En 2009 se estrenaría 'Star Trek', donde J.J. Abrams trabajaría en una suerte de reboot que se desvelaría como una línea alternativa a la oficial, llamada la "línea Kelvin" por la USS Kelvin. El origen vendría con la destrucción de Romulus en 2387 (entre 'Lower Decks' y 'Picard', de hecho esta serie lidia con consecuencias de ello) y un viajero temporal que acaba en el 2233 para matar a Spock.

• 'Star Trek' (2258 alternativo)
• 'Star Trek: En la oscuridad' (2260-2261 alternativo)
• 'Star Trek: Más allá' (2262 alternativo)

Si quisiéramos encajar estas películas en la cronología oficial, esta saga estaría entre 'Enterprise' y la serie original, reflejando esos primeros años de Kirk y Spock a bordo de la nave.

El futuro

El futuro es algo incierto para la franquicia. Hay planes para más películas a la vista pero la cosa está bastante parada. Al contrario, la parte de las series parece que siguen a flote con los próximas series en marcha:

• 'Star Trek: Strange New Worlds': Un spin-off de 'Discovery' protagonizada por la tripulación de la coetánea Enterprise, comandada por el Capitán Pike. Anson Mount, Rebecca Romijn y Ethan Peck protagonizan la serie.
• 'Star Trek: Prodigy': una serie sobre unos adolescentes que navegan en una nave abandonada de la flota estelar.
• 'Section 31', que explorará la historia de Philippa Giorgiou en el mirrorverso.

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La noticia 'Star Trek': en qué orden ver todas las series y películas de la saga de ciencia ficción fue publicada originalmente en Espinof por Albertini .

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Francisco Javier Fernandez - Todas las series y películas que abandonan Netflix en febrero 2021

Terminamos enero y, como cada mes, toca ver todo aquello que abandona una de las plataformas más importantes del mundo. El catálogo inmenso de Netflix muta día a día y junto a las novedades, hay muchas cosas cuya licencias caducan o, simplemente, se pierden derechos. Así que vamos a saber todas las series, películas y documentales que dejarán Netflix este próximo febrero.

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Estrenos de Netflix en febrero de 2021: 'A todos los chicos: Para siempre', temporada 2 de 'Hache', 'Malcolm & Marie' y más

Netflix España

• 'Fracture' (1/2)
• 'Dos buenos tipos' (1/2)
• 'The Rebel' (1/2)
• 'Slender Man' (2/2)
• 'French Dirty' (3/2)
• 'La monja' (3/2)
• 'Tiensin Mystic' (8/2)
• 'Cunning Single Lady' (9/2)
• 'The Mortified Guide' (13/2)
• 'Merlí' (14/2)
• 'Beethoven Virus' (15/2)
• 'Brave Miss World' (16/2)
• 'The Kindness Diaries' (21/2)
• 'The King 2 Hearts' (22/2)
• 'Hospital Ship' (23/2)
• 'The Scholar Who Walks the Night' (23/2)
• 'Sin senos sí hay paraíso' (24/2)
• 'The Moon Embracing the Sun' (25/2)
• '2 Weeks' (26/2)
• 'Arang and the Magistrate' (26/2)
• 'Angry Mom' (26/2)
• 'Gu Family Book' (26/2)
• 'Lucky Romance' (26/2)
• 'Money Flower' (26/2)
• 'Two Cops' (26/2)
• 'Is it Wrong to Try to Pick up girls in an Dungeon' (28/2)
• 'Made in Abyss' (28/2)
• 'Sword Oratoria' (28/2)

Netflix Latinoamérica

1 de febrero

• 'Power Rangers Mystic Force'
• 'Power Rangers: Megaforce'
• 'Power Rangers Samurai'
• 'Power Rangers Super Samurai'
• 'Power Rangers Dino Thunder'
• 'Power Rangers SPD'
• 'Power Rangers Dino Charge'
• 'Power Rangers Dino Super Charge'
• 'Power Rangers Jungle Fury'
• 'Power Rangers Ninja Storm'
• 'Power Rangers Super Megaforce'
• 'Power Rangers Wild Force'
• 'Power Rangers Super Samurai: Stuck on Christmas'
• 'Power Rangers RPM'
• 'Power Rangers in Space'
• 'Power Rangers Operation Overdrive'
• 'Power Rangers Samurai: Clash of the Red Rangers'
• 'Power Rangers Time Force'
• 'Power Rangers Zeo'
• 'Power Rangers Turbo'
• 'Power Rangers Lost Galaxy'
• 'Power Rangers: Megaforce: The Roboknight Before Christmas'
• 'Power Rangers: Megaforce: Raising Spirits'
• 'Power Rangers Lightspeed Rescue'
• 'Power Rangers Samurai: Party Monsters'
• 'Power Rangers Samurai: Christmas Together, Friends Forever'
• 'Power Rangers Samurai: Trickster Treat'

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'Power Rangers', Nostalgia TV

• Mighty Morphin Alien Rangers'
• 'V.R. Troopers'
• 'Ninja Turtles: The Next Mutation'
• 'La última fiesta'
• 'Pablo Escobar: El patrón del mal'
• 'Maroon'
• 'All Hallows' Eve'
• 'National Parks Adventure'
• 'Mortified Nation'
• 'Emo the Musical'
• 'Annabelle Hooper and the Ghost of Nantucket'
• Leo and Tig
• 'Total Drama'
• '5 Flights Up'
• 'Big Bad Beetleborgs'
• 'Heal'
• 'Have you seen the listers?'
• 'My Travel Buddy'
• 'Among Family'
• 'You're Everything tom Me'
• 'The Bye Bye Man'
• 'Superman Returns'
• 'Valentine's Day'
• 'The Heartbreak Kid'
• '99 Homes'
• 'The Cave'
• 'Children who chase lost voices'
• 'The Core'
• 'Cold War'
• 'Escape from Alcatraz'
• 'Footloose'
• 'Gifted Hands: The Ben Carson Story'
• 'The Girl with the Dragon Tattoo'
• 'The Green Mile'
• 'Grease'
• 'Good Burger'
• 'Joe'
• 'Wolf Warrior'
• 'The Sweetest Thing'
• 'The Swan Princess and the Secret of the Castle'
• 'The Substitute'
• 'R2B: Return to Base'
• 'Sleight'
• 'Sao du'
• 'The Saint'
• 'Now you see me'
• 'No good deed'
• 'Music and Lyrics'
• 'A most violent year'
• 'Mississippi Grind'
• 'The Mask'
• 'Man of Steel'
• 'Magic Mike XXL'
• 'Love Story'
• 'The Looming Storm'

Resto de febrero

• 'Fireworks' (2/2)
• 'French Dirty' (4/2)
• 'OCTB' (5/2)
• 'Kidnap' (6/2)
• 'Tiensin Mystic' (9/2)
• 'The Mortified Guide' (14/2)
• 'Brave Miss World' (17/2)
• 'Diabolik Lovers' (19/2)
• 'Falsa identidad' (20/2)
• 'The Kindness Diaries' (22/2)
• 'Sin senos sí hay paraíso' (25/2)

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Francisco Javier Fernandez - 'Star Wars: el ascenso de Skywalker': 13 películas que dejaron huella en el cierre de la trilogía de Disney

Puede que la discusión sobre 'Star Wars: El ascenso de Skywalker' se haya convertido en un bucle de por qué es peor o mejor que el episodio VIII de Rian Johnson, si es o no digna de la saga de nueve películas, si es solo fan service o realmente es la película de un autor dentro de la franquicia. Sin embargo, en la conversación a su alrededor no se ha destacado las muchas referencias y conexiones cinematográficas de la cinta con el cine de muchos géneros.

J.J. Abrams es un cinéfago y su pasión se ha ido dejando notar en la saga con detalles como la referencia a la bola plateada de ‘Phantasma’ (1979) en la armadura reflectante de la capitana Phasma. En 'El ascenso de Skywalker' muestra más referencias e inspiraciones y absorbe el tono de mucho del cine de Lucasfilm para completar una obra que abre las posibilidades para ver algunos clásicos después. Estos son algunos ejemplos:

TODO EL TEXTO CONTIENE SPOILERS.

Hellbound: Hellraiser II (1988)

El regreso del Emperador ha abierto la posibilidad de incluir más homenajes al cine de terror que Abrams adora, en este caso, el diseño de Palpatine, con ese aspecto azulado con un aparejo que deja su cuerpo colgando se parece al Doctor Channard, de la saga 'Hellraiser'. Además, los Sith se encuentran en una ciudad megalítica oculta a la que solo se puede llegar con una caja geométrica, como la ciudad del Leviathan de los cebobitas y la configuración del lamento. Puro ocultismo cósmico.

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'Star Wars: el ascenso de Skywalker': por qué la vuelta del Emperador da una nueva y terrorífica dimensión a la saga

En busca del arca perdida (Raiders of the Lost Ark, 1981)

El cine de aventuras de la casa Lucasfilm alcanzó las mayores cotas de excelencia con la imprescindible trilogía de Indiana Jones y Abrams ha tomado muchas notas de Spielberg para su aventura a tres, sobre todo en la primera parte de la película, en la que, además referencia no solo sus clásicas persecuciones en lugares desérticos, sino tramas arqueológicas y caídas a túneles con serpientes y hasta el atuendo de Poe Dameron, clavado al que lleva Harrison Ford en la primera aventura del aventurero. Al final el emperador se deshace como los nazis al ver el arca.

Los Goonies (The Goonies, 1984)

Algo debe influir que Abrams haya sido uno de los mayores impulsores de la nostalgia Amblin ochentera pre ‘Stranger Things’ (2016-) con su ‘Super 8’ (2011), para que ‘El ascenso de Skywalker’ aparezca trufado de referencias al clásico infantil de Richard Donner. Además de la daga utilizada como el medallón-mapa tridimensional, el hecho de encontrarla en un cadáver dentro de un túnel recuerda al encuentro del señor Copperpot por la pandilla de Josh Brolin.

Tiburón (Jaws, 1975)

En el tramo final, cuando la flota de destructores imperiales empieza a caer como grandes moles en el vacío, descomponiéndose en una estela de humo y piezas, hay una pequeña referencia musical, con unas notas irreales durante escasos segundos, pero suficientes para captar una referencia directa a un momento clásico de ‘Tiburón’, la muerte del escualo, hundiéndose con un rastro de sangre en imágenes acompañadas de una melodía que John Williams parece imitar en un autoguiño solo para los muy freaks del film de Spielberg.

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'Star Wars: El ascenso de Skywalker' merece ganar el Óscar a la mejor banda sonora del año

El señor de los anillos (Lord of the Rings, 2001-2003)

La trilogía de Peter Jackson ha marcado el pulso de los blockbusters navideños de todo el siglo XXI, pero en 'El ascenso de Skywalker', además de tener al hobbit Dominic Monaghan o el momento de Rey transformándose como Bilbo, plantea a los caballeros de Ren como auténticos Nazgul espaciales, tiene a un Saruman creando en la sombra un ejército casi de la nada y en la épica de la batalla se utiliza el recurso de la llegada de los refuerzos en el último momento, como la carga de los jinetes de Rohan o los fantasmas en las batallas de Jackson.

Dunkerque (Dunkirk, 2017)

El rescate a última hora, tan propio de los blockbusters de cine épico tiene un precedente histórico importante. Lo hemos visto en 2019 tanto en ‘Vengadores: Endgame’ (Avengers: Endgame, 2019) como en el Episodio IX, pero hace dos años Christopher Nolan lo retrató en 'Dunkerque' de una forma que parece que gustó a Abrams y Terrio. El detalle de que los barcos de rescate fueran del pueblo se remarca en la voz de Kenneth Branagh, y aquí es Poe Dameron quien hace los honores de recordarnos que es la gente normal la que logra salvar el día.

Seven (1995)

No, no es que en la última película de 'Star Wars' haya asesinatos sórdidos ni nada de eso, pero el final de la influyente película de David Fincher tiene el mismo resorte que utiliza Palpatine para ofrecer a Rey una alternativa. Si le mata, vence la ira y su plan está completo, por ello trata de provocarla como hace John Doe en su plan maestro de la caja con la cabeza de la esposa del personaje interpretado por Brad Pitt.

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'Star Wars': en busca del orden definitivo para ver la saga ahora que tenemos Disney+

El vacío (The Void, 2017)

El cine lovecraftiano es muy amplio, pero apenas hay alguna película que refleje bien las arquitecturas imposibles que relata el escritor en sus obras. Mientras la saga 'Alien' ha conseguido reflejar algo similar, pocas veces se ha visto tan terrorífica como las pirámides flotantes de esta pequeña gran serie B. 'El ascenso de Skywalker' plantea un Exegon con arquitectura con ecos de Giger pero que mira más a los grandes templos perdidos en la tierra de relatos como ‘En la noche de los tiempos’.

Lifeforce, fuerza vital (Lifeforce, 1987)

Esta estupenda pero no muy valorada mezcla de terror y ciencia ficción de Tobe Hooper tenía a unos vampiros estelares que se dedican a absorber la fuerza vital de los humanos a base de rayos azulados que salen por la boca, algo que el Emperador hace cuando ve que no puede entrar en Rey, sacándole la fuerza a Kylo Ren y ella de la misma forma que en este film. Además, el clímax tenía una columna de rayos al cielo no muy diferente a la que logra emitir el emperador por la cúpula cuando está pleno de poder.

La jungla de cristal (Die Hard, 1988)

Todos nos acordamos del truco de John McClane en el final de la obra maestra del cine de acción de John McTiernan, acercándose a Hans Gruber con las manos en alto y con una pistola en la espalda pegada con cinta americana. Abrams replica el momento con Rey, cuando sube las manos para pasarle a Kylo Ren uno de los dos sables láser que sostiene a través de su conexión en la fuerza.

Cumbres borrascosas (Wuthering Heights, 1970)

Hay muchas versiones de la obra de Emily Brontë, pero esta de Robert Fuest en los 70 mantiene una atmósfera ominosa y oscura mayor a la de otras versiones. La conexión con 'El ascenso de Skywalker' —y con esta nueva trilogía, en general— es el romance gótico, imposible y prohibido de Rey y Kylo Ren, la atracción por el villano, esa posibilidad de consanguineidad, y ese Heathcliff sideral que es Ben Solo, enfrentado a Rey en un desfiladero brumoso como los parajes de niebla de la película. El romance imposible acaba en un beso, eso sí, que tiene más de 'Duelo al sol' (Duel in the Sun, 1946).

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Por qué 'Star Wars' debe acabar

Las minas del Rey Salomón (King Solomon’s Mines, 1950)

No solo de Indiana Jones vive el cine de aventuras y la mayor parte de la película es un viaje de un sitio a otro del trío protagonista, dos hombres y una mujer, como los tres héroes de esta adaptación de la novela homónima de H. Rider Haggard. Tribus en planetas lejanos desérticos podrían ser una visión de las que se encuentra Quatermain, pero además hay detalles como las minas donde encuentran un esqueleto de la persona que andan buscando que da el aroma de este cine de aventuras clásico.

Hereditary (2018) y La lluvia del diablo (1975)

Nos puede valer también 'Muñeco diabólico' (Child’s Play, 1988) y Chucky tratando de meterse en el cuerpo de un niño, o la misma ‘Déjame salir’ (Get Out, 2017), pero el tono esotérico de los rituales Sith para hacer que el emperador posea el cuerpo de Rey tienen más que ver con los propósitos sibilinos de la abuela de 'Hereditary', el aclamado film de Ari Aster, y la forma en la que va preparando jóvenes Jedi para transportar el alma de todos los Lores Sith. El ritual tiene mucho que ver con la escena final de 'La lluvia del diablo' (The Devil’s Rain, 1975) y sus acólitos encapuchados.

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